miércoles, 26 de febrero de 2014

Why I go to the movies, with Lillian

by Jan Galligan and Lillian Mulero

The Cine OCD Project
Lillian and I watch at least one film per day, sometimes two, and on obsessive days it could be three. Given the ubiquity of online resources to immediately stream movies to a computer, smart phone, iPad or a Kindle, I can understand if your reaction is: – “So?” But at least consider that this means we've watched over 12,000 films in the 35 years we've been together.

 Source: The Couch Potatoes Guide to the Total Number of Movies in the World.

It also means to date we've watched only about 5% of the feature films listed on the Internet Movie Database. I should point out that 20 of those past 35 years were spent watching movies in the analog era, before IMDB, YouTube, iTunes, or any form of video streaming.

We met in Albany, NY, where Lillian had finished graduate studies in painting and I was an artist working for biomedical science. We discovered a small shop in our neighborhood, run by an aging cinephile, and this store was filled with movie posters, film stills and other memorabilia, along with a substantial library of 16mm movies which you could rent for one or two dollars per day. I bought a 16mm film projector and within a year we had watched nearly his entire catalog. Imagine carrying home Citizen Kane, five giant reels of film in heavy metal canisters.

Over the years we became preferred customers at the Blockbuster and Hollywood video rental stores, and whenever, and wherever we traveled, we always made a point of seeing as many films as possible during our visits. In this way we learned about watching movies in their V.O. (version original) and developed an ability to sit through a long afternoon of triple features. We were also very fortunate to have an art film repertory cinema in Albany, which while we lived there, grew from one screen, to what is now the Spectrum Eight Theaters. Then, as now, we were convinced that the best way to watch movies is in the theater, on the big screen. Movies are a social medium and always best experienced inthe company of other people. The energy of the audience, especially in a crowded theater on opening night, is palpable, and definitely affects your experience of the film. The impact of the movie is inversely proportional to the size of the screen. The image of the protagonist looming as a 30-foot face has a much greater impact than the same face on your home video screen, computer, or iPhone. Larger-than-life is always more effective than same-size or smaller.

An Island in the Sun

Preparing for our move to the remote barrio of Santa Olaya, in the summer of 2010, we were lucky to find a going-out-of-business sale at our favorite Hollywood video store in Albany and purchased a large stack of DVDs for one or two dollars each which we brought with us to the island. Fortunately when we arrived, we discovered Hollywood and Blockbuster were still doing business on the island. Even better we found a small, but well stocked, video bodega in Sabana, the barrio next to Santa Olaya, run by a young and enthusiastic cinéaste who added at least a dozen new films to his collection each month. Before long we had worked our way through the catalogs of all three rental stores, and not long after that they went out of business, one after the other: Hollywood, Blockbuster, and finally Sabana's Video Zone. Such is the power of Netflix and Redbox. We did manage to add another stack of DVDs to our collection during their respective going-out-of-business sales. In our many years of annual visits to Lillian's family, we learned to love three cinema gems here on the island: Cine Fine Arts, before it moved into the jewel-like atrium of the Banco Popular Center, Cine Fine Arts Miramar, even before its very handsome recent renovation, and the venerable Cine Metro in Santurce. We could always count on fulfilling our movie quota at one or all of these theaters.

(Weren't we here already?)

Our first introduction to art and culture on the island was the 2010 Festival de Cine Internacional de San Juan, where on opening night – Lillian being who she is – we ended up sitting next to a handsome film director from Columbia whose film eventually, after we had spent the better part of the week jangueando con el, won the festival. It was a productive time for us, and with an invitation from Maria Cristina, we ended up publishing four articles, two overviews and two profiles, in Claridad's cultural supplement, En Rojo. In the articles we confessed, publicly and for the first time, that we are a couple who tend to talk through movies while we watch. Here's an excerpt from our first article, published in November, 2010: “I'm having deja vu,” Lillian whispers in my right ear, the good one. I am a little deaf in the other, so she always sits on my right side. Otherwise we would be a disturbance in the movies. We're a couple who like to talk about movies, at least during the good moments – or sometimes, the bad. “What do you mean?” I ask her. “You know what I mean. Deja vu,” she says. “I think we've seen this film before. Definitely we've watched this story before.” “I don't know,” I mumble, “I'm not feeling it.”

Postcards from the Edge, aka “Recuerdos de Hollywood”

In the summer of 2012 we learned that the movie Runner, Runner would use Puerto Rico to play the part of Costa Rica. Directed by Brad Furman, of Lincoln Lawyer fame, it would feature Ben Affleck, Justin Timberlake and Gemma Atterton. We emailed headshots to the casting office and to our surprise, I got an invitation to audition for the role of TOWEL, a brief scene where I would play a politician being bribed by the Ben Affleck character. The scene was set in a steam room and my one line would include the word blowjob. I spent the day walking around the house wearing a towel and muttering my line with various inflections. Finally, Lillian demanded, “Put some clothes on, for Pete's sake!” As I was getting dressed, an email arrived from the casting office telling me to forget the TOWEL part. Instead they wanted me to read for the SHOOTER, as they described him – “an obnoxious casino gambler from New York. We'll send you the sides.” (note: sides refers that fraction of the script containing the character's lines for which you will be auditioning.) “You know the type,” they said. 

Sides for the role of SHOOTER

Actually I didn't, but I figured I'd give it a shot. Knowing nothing about acting or casino gambling, let alone having never auditioned for anything, the first thing I did, after reading through the part about a dozen times, was buy a new tropical weight black suit. Hopefully I could look the part. Then Lillian and I set out for El San Juan Resort & Casino in Isla Verde to learn how to play the craps table.

A few hours and $200 dollars later, we had a better idea of how the game was played, but I had not mastered an air of obnoxious self-confidence. I was having a lot of trouble with the word greaseball.
Runner, Runner's script was written by Brian Koppleman and David Levien, who also wrote Rounders and Ocean's Thirteen. I figured they knew something about gambling, but based on this dialogue, might not know a lot about Costa Rica or Caribbean culture. To be honest, I didn't know what a jammer was, so I looked it up online, where I learned more about jamming slot machines or cell phones than someone who could “cool your roll.” I tried the online Urban Dictionary for a better understanding of greaseball and learned that this originally refers to Italians, “but generally it can be anyone who does not wash his or her hair.” I got Lillian to put a lot of gel in her hair and spent the day before my audition walking around the house in my new suit demanding that she, “Pay the bet, greaseball!” Generally, I was met with her dismissive, hostile looks. I did not get the part

Our rehearsals paid off when we were offered the chance to work as extras in a scene being filmed at a mansion on the island's north shore, near Dorado – two sixteen-hour nights starting at 3 p.m. and ending at 7 a.m. We were to play a sophisticated couple at an extravagant outdoor casino gambling poolside party. Lillian immediately bought a new dress. When we arrived at the base camp, Lillian spent the next three hours in makeup and being fitted for a gold lame evening gown from the wardrobe department. Once we were on the set, we wandered around the mansion for about three hours until shooting started. By then we knew the layout of the place quite well. We were put into position by the background wrangler and given directions for a choreographed walk through the party. The scene was fairly long, lasting over three minutes. The main action involved Justin Timberlake arriving at the party, walking through the mansion and out the back door, followed by a line of young women carrying trays of champagne topped with glowing sparklers and wearing very skimpy, tight, gold lame body suits, which Lillian felt would compete with her dress. We walked through the scene as directed, while Timberlake met up with Affleck and together they made their way to a craps table, where the SHOOTER character was getting ready to call the STICKMAN a greaseball. I convinced Lillian that she should find a way to get to the craps table and end up next to the SHOOTER. She did, and became an integral part of that scene for the next eight hours, as they filmed it from four different angles. I managed to walk by while SHOOTER was delivering his tirade.

Which brings us to the 2014 Academy Awards. Runner, Runner is not on the list of nominees. This is because rottontomatoes.com scored the film at 9% out of a possible 100%, based on a compilation and assessment of all reviews for that film. Her scored 94% and Gravity, 97% . All of the films nominated for Best Picture scored over 90% except The Wolf of Wall Street, which was rated 76%. Rolling Stone magazine called Runner, Runner a film where “the actors hit the jackpot, but only in terms of their paychecks, while the audience gets a tension-free, tight-assed, Casino ripoff leaving them thoroughly fleeced.”

Normally, Lillian and I do not have much interest in the Oscars. In the past, we were unlikely to have seen more than a couple of the nominated films, as our interests run more toward foreign language imports, independent films, and art-house cinema, few of which ever make the list. Generally we end up reading about the Oscars in the following day's newspaper. This year is different. Witnessing the movie making process from the other side of the screen has given us new insight into what's involved and how it happens. We've felt like the character in the Coke commercial which was recently shown at the Cine Fine Arts theaters, before the main attraction --the one where a young guy goes from watching movies while drinking Coke, to playing a daredevil scene in an action movie then drinking a Coke, to walking the runway at the Oscars while being watched by other young movie-lovers, also drinking Cokes. Seeing yourself on the big screen, even for a fleeting moment, is definitely a thrill.

Over the past couple of months we have managed to see all of the films in contention for this year's Best Picture award. One thing we noticed – of the nine nominated films, all but three – Gravity, Her and Nebraska – are based on true stories. Granted, the truth has been massaged, stretched and twisted to fit the silver screen, still, this leaves us with the impression that the premises of reality television now dominate the world of cinematic fiction, in a manner similar to how those same principles dominate night time dramas and sitcoms on broadcast or cable TV. A caveat is in order: We should note that we do not have cable or broadcast television here in our remote jungle outpost. We have watched very little television during the past 35 years, but we do read many cultural journals and magazines, and have been able to keep abreast of the trends. Ripped from the headlines seems to be the predominate point of departure. Too often however, working in this mode, the train never leaves the station.

May I have the envelope, please?

What might the film Runner, Runner have been with a more sensitive, finely-tuned script, and a freer hand for Brad Furman to exercise directorial control? One example is Ridley Scott's The Counselor, based on a story by Pulitzer Prize winning author, Cormak McCarthy, who also wrote the script, his screenwriting debut. Starring Michael Fassbender, Penélope Cruz, Cameron Diaz, Javier Bardem, and Brad Pitt, this is a complicated story, rooted in the grim reality of Mexico's drug cartels. Eschewing the headlines, it weaves a story of drugs, money, influence peddling, deception, and duplicity, with a surprise twist ending – all elements that Runner, Runner contained, but could not pull together. The Counselor also has a terrific, high-energy musical soundtrack performed by a number of urban contemporary Mexican groups, including Mexican Institute of Sound and Choquibtown. Ironically, Runner, Runner, purportedly set in Caribbean Latin America, has a soundtrack that also features mostly Mexican urban contemporary music, including Choquibtown. Talk about having a deaf ear.

My choice for the Academy Award for Best Picture is American Hustle, another example of what Runner, Runner could have been. Starting with its disclaimer that “Some of this actually happened,” this film is a study in character, and is filled with characters who make that study fascinating. These are people you might like to spend time with, even if you'd hesitate to invite them into your home. Desperate, despicable and irascible at the same time, the two principals, played by Amy Adams and Christian Bale, spend the entire movie outwitting themselves, each other, and everyone around them. Who's conning whom is the constantly repeated question. Set in New Jersey, at the time of the infamous Abscam scandal, ambitious, and duplicitous politicians sell their souls and their constituencies for a chance at a bigger prize, offered to them in a scam organized by Adams and Bale. This story is timely in a weird way, given the problems of the current governor of New Jersey and attempts by his administration to embarrass the mayor of Ft. Lee, NJ by creating a tapon enorme on the New Jersey side of the George Washington bridge – which sounds like a case of life imitating art imitating life.

She nearly lost it, at that movie

Lillian's choice for Best Picture is Gravity, directed by Mexican, Alfonso Cuarón, creator of the wonderful Y Tu Mamá También. The film stars Sandra Bullock and George Clooney as a scientific engineer and an astronaut working together in the near future, to repair a malfunctioning module in the Hubble Space Telescope. When their space shuttle explodes leaving Clooney and Bullock floating, tethered together with only their space suits protecting them from certain death, they devise a desperate escape maneuver that ultimately defies credibility. As Clooney says, “Our only hope for rescue is to use my jet-pack to travel to the space station,” which is seen as a glowing light over the horizon. “It’s a long hike, but we can make it,” says Clooney.

New York Times science reporter Dennis Overbye, who normally writes cogent, readable reports on high energy physics and cosmology, watched Gravity in the company of NASA astronaut Michael J. Massimino and together they discovered a fatal flaw. Overbye writes: “As we recall from bitter memory, the Hubble and the space station are in vastly different orbits. Getting from one to the other requires so much energy that not even space shuttles have enough fuel to do it. The telescope is 353 miles high, in an orbit that keeps it near the Equator; the space station is about 100 miles lower, in an orbit that takes it far north, over Russia. To have the movie astronauts (Clooney) and (Bullock) zip over to the space station would be like having a pirate tossed overboard in the Caribbean swim to London.”

The entire premise for this film is scientifically impossible. “I don't care,” says Lillian. “I can suspend my disbelief in this instance. It makes for a thrilling story. I almost had a coronary waiting to see what would happen to this couple drifting alone, together somewhere in outer space. George Clooney is the same chatty, but highly articulate and funny story teller he played in O Brother Where Art Thou. Besides, the movie screen seemed to me the perfect medium for displaying a world with no up and no down. The space images are as gorgeous as Clooney made them out to be. Consider, here's a couple, not obviously romantically engaged, brought together by circumstances beyond their control, floating hand-in-hand toward an outcome neither can predict or imagine. To reach their goal, they must separate, each going their own way. She makes it, and then, as if in a dream, he appears, at the right place at exactly the right time, to help her solve an impossible technical problem, and afterward – he disappears, again. The perfect man, for a perfect movie.”

Initially, I thought Lillian had a secret crush on George Clooney. That changed when we went to see his most recent project Monuments Men, which Clooney co-wrote, directed, and in which he plays the lead role. This film received a rating of 34% from rottentomatoes, and for good reason. A movie that the Los Angeles Times calls, “Earnest and well-intentioned but ultimately inert,” it caught our interest because it presents an adventure story about art and art's place in society. Clooney, Matt Damon, Bill Murray, John Goodman, and Bob Balaban, with help from Cate Blanchett and a few others, struggle to save the art history of the western world from thieving Nazi hoarders. None of them are able to save this film from Clooney's clunky script and clumsy directing. At the end of the movie, president Harry Turman asks the Clooney character if art is worth dying for. Should you watch this film, you can be the judge.

Jan Galligan and Lillian Mulero
Santa Olaya, PR

After years living and working in Albany, artist Lillian Mulero - whose work deals with issues of gender, faith, and politics, and is never predictable, and photographer Jan Galligan - known for years as "one of upstate's best kept art secrets" relocated to Santa Olaya, where they currently write about art and film for En Rojo, the cultural supplement of Claridad, the island's weekly newspaper.



GUIDE TO ART AND CULTURE AROUND SAN JUAN, published online in London, UK:


miércoles, 19 de febrero de 2014

Convocatoria para el Seminario Flaherty

Desde hace 60 años, el Seminario Flaherty ha sido un espacio vital de reflexión acerca del cine documental y sus múltiples formas. El mismo consiste de una semana intensa donde un grupo íntimo de cineastas, críticos, académicos, curadores y otros comparten decenas de películas y tienen la oportunidad de dialogar directamente con los creadores de estos trabajos para ir desarrollando ideas comunes acerca de un tema particular definido anualmente así como de ideas más generales acerca del cine y la ficción.

Este año el seminario examina el estado actual del documental y sus transformaciones mientras se traslada entre la galería de arte, el cine y la pantalla interactiva. Los programadores de este año proponen una búsqueda de los elementos centrales del documental que lo sostienen en una época de cruces de géneros y medios. "¿Qué puede revelar un enfoque radical, Godardiano de la forma del documental sobre las políticas, poéticas y éticas de crear medios hoy día?" preguntan los organizadores en su descripción del seminario que dará lugar este junio próximo.

Compartimos esta invitación a participar del Seminario Flaherty de 2014 a tiempo para solicitar a su programa de becas profesionales al que puede solicitar aquí. La beca está abierta para todo tipo de cinéfilos, desde curadores establecidos hasta artistas emergentes y la fecha de entrega es el próximo 3 de marzo.

Para aprender más sobre el Seminario Flaherty, visite su página www.flahertyseminar.org


No es cosa nueva en esta época, el encontrar en la televisión propuestas mucho más interesantes que en la pantalla grande. Esto ha pasado con muchas series. Por mencionar algunas, están las ultra conocidas: Breaking Bad, Homeland, Hanibal, Sopranos, Juego de Tronos… etc, etc.
Admito casi con pena, que me gustan. Me parecen comparables con cualquier película. Tienen esa cualidad cinematográfica tan difícil de explicar que tanto adoro. Pero la verdad, me joden muchoooooo. Odio quedarme enganchado a ellas, sobre todo después de la decepción de fuckin´ Homeland, y de estar hasta los huevos de Walte White.
Siento que las series me quita el tiempo de ver una película. La culpabilidad del cineasta, dice la gente. Podria verse a una serie como un matrimonio, un pacto sacro que te obliga a llegar al final hasta que la muerte nos separe. En cambio una peli es un affair, un amor de verano, una chispa que siempre te va a dejar en la boca el sabor inmortal de un incendio que lo arrasó todo. Uy que poético. Habiendo dicho todas estas barbaridades, voy a hablar de una serie que me gusta mucho: True Detective.

True Detective abarca 17 años en la vida de dos detectives Hart (Harrelson) y Rust (McConaughey), quienes en 1995 comenzaron una investigación sobre el extraño crimen de una prostituta en Louisiana, que fue encontrada con una cornamenta de ciervo en la cabeza (casi una macabra broma de un hipster). La narración de la historia comienza en el 2012 cuando ambos personajes, ahora ex detectives, son interrogados por otros dos policías sobre el crimen de esa prostituta, y otras mujeres de la región durante la década de los 90. A través de las preguntas y los testimonios de Hart y Rust, se reconstruye el caso que ambos investigaron, así como el pasado de ambos personajes.
La idea de la serie es que cada temporada gire en torno a nuevos personajes, nuevos casos. Es decir, que con cada temporada se producirá una renovación de la misma. En lo personal, esto lo agradezco mucho, en el sentido de que podría abandonar la serie fácilmente, no como con Homeland y Breaking Bad, en los cuales a pesar de ya estar hasta los huevos de los personajes, solamente por el hecho de querer contestar a la pregunta “qué pasara?”, seguía enganchándome temporada tras temporada. En fin, con True detectives puedo ver el primer Season y ya está, se corta por lo sano. Esto me encanta! Es casi un affair.

Es un junte extraño este ente Pizzolatto y Fukunaga. Ambos son conocidos pero no pertenecen a los grandes nombres del mundillo de las series. Pizzolatto, el guionista de la serie, es un joven novelista norteamericano, conocido en el mundo audiovisual por haber escrito algún episodio de otra serie, The killing. Realmente, éste es más conocido por su trabajo literario (muy inclinado a la novela negra). Por otro lado, Fukunaga es un talentoso director joven de California. Entre sus trabajos más conocidos están: Sin Nombre y Jane Eyre. Estos dos trabajos son prueba de su amplio registro de trabajo. Creo que por eso sería difícil encasillarlo.
Se podría decir entonces que con True Detective estamos ante un trabajo que mezcla perfectamente, la construcción narrativa de la trama y de los personajes, propia de la literatura, con las propiedades intrínsecas de la construcción del hecho cinematográfico, del cine. Todo esto envuelto por una calidad estética muy notable, con una complejidad en los personajes que los hace sobre todo humanos. Y esto es lo que engancha en la serie. No hay una gran trama pero sí grandes personajes.  

La cabecera en sí es una obra de arte. Las imágenes  son sugerentes, oscuras y ominosas, y  se elevan con la canción Far From Any Road de The handsome Family. Esta sencuencia te sumergen en un ambiente oprimente y macabro. Cumple perfectamente con su propósito de meter al espectador inmediatamente en su mundo tétrico. No creo que haya otra melodía que pueda darle tantas alas a la imagen de este comienzo. Es una melodía sencilla, muy folk, que se suspende sobre una voz lejana que dice:

“Her looming shadow grows/Hidden in the branches of the poison creosote/She twines her spines up slowly/Towards the boiling sun/And when I touched her skin/My fingers ran the blood”


Por muchos años subestimé a Matthew McConaughey. Nos tenía acostumbrados a sus papeles en películas como Sahara, The Wedding Planner, How to Lose a Guy in 10 Days, en fin, todas esas mierdas. Muchos dirán que él pudo haberse vuelto más selectivo en sus papeles con Mud o Paperboy o Killer Joe, pero en mi caso, mi visión sobre McConaghey cambió a partir de Tropic Thunder. Era un personaje corto, como el de The Wolf of Wallstreet, con el que brilló como brillan los grandes actores.
Aquí en True Detective, construye un personaje ateo, muy cerebral, que sufrió la pérdida de su hija cuando trabajaba en Texas. Él usa su raciocinio, sus ideas filosóficas, para oculta su lado más humano, quizá porque es en éste donde habita el dolor de la muerte de su hija. Por lo tanto, es en este mismo acto de evitar, de no mencionarlo, en donde se vislumbra la humanidad de este personaje: un hombre que evita sentir su propio dolor porque lo trae de vuelta a la realidad y lo expulsan de su mundo de ideas. En esta situación, el trabajo se vuelve una obsesión, obsesión con la que colma su propia soledad, su vacío. La habilidad de McConaughey para construir este personaje pesimista, enfermo del existencialismo más feroz, es magistral, sobre todo porque en todo momento, irradia verdad. Es decir, se transforma en su propio personaje.


Por otro lado, Woody Harrelson lleva a cabo un personaje que en apariencia se muestra más humano que el de McConaughey. A pesar de ser un hombre de familia, un hombre cristiano, Hart es un hombre que sigue sin obstáculos sus impulsos más primitivos y sexuales. Todo lo contrario a Rust. Se encuentra entre el amor de dos mujeres: su mujer Maggie (Michelle Monagham) y su amante Lisa (Alexandra Daddario). Ambas mujeres lo desequilibran y lo único que parece devolverle el balance y centrarlo es su trabajo, la investigación del asesinato de la prostituta. A pesar de esta función que posee su trabajo, éste mismo lo aturde, lo afecta en su vida personal; lo hace tener una relación distante y tensa con su mujer, por lo que a la larga termina buscando a su amante para que ella le de lo que Maggie carece. Es así como Hart termina cayendo en un loop del que parece no poder salir. Harrelson construye cómodamente este personaje, muy cercano a otros que ha realizado en el pasado, pero lo hace a partir de sus debilidades humanas y del choque constante con Rust.  

Este plano secuencia lo tiene todo! Todos los valores de plano posibles, ritmo, movimiento y  quietud. Está hecho así para incrementar la tensión e intensidad de este momento en el capitulo. Hay que verlo.

El paso del tiempo es un elemento muy llamativo en esta serie. Si pensá
ramos la historia de manera cronológicamente quizá la imagen pueda ser más clara. Tanto Hart como Rust llegan a ese punto de inició de todo en 1995 ya cargados de un pasado que lo ha marcado. Rust intentó contruir una familia pero está se destruyó con la muerte de su hija. Por otro lado, Hart tiene una familia que en apariencia está bien, pero cuya realidad es otra. Las cosas no funcionan y nunca funcionaron con sus suegros y las cosas con Maggie no van bien.
Ahora, lancémonos al 2012. Han pasado 17 años desde la investigación. Ninguno de los dos sigue siendo policía, tampoco son amigos, y no es que antes hayan sido tan amigos. Ambos personajes son hombres a los que les ha dado una buena paliza el tiempo. Es cierto que el tiempo pasa por todos nosotros, nos cambia, pero en esta serie es muy interesante ver por cuales rutas se dirigieron sus vidas después de aquella investigación; ver los cambios en sus caras, en sus maneras de actuar, de ver la vida. Hart está más calvo, evidentemente su matrimonio no sobrevivió sus errores, pero a pesar de esto, parece haber ganado algo de sabiduría, y no luce del todo mal, hasta ha ganado algo de elegancia. En cambio Rust es todo lo contrario. Más que un ex policía parece un camionero retirado que todo lo que hace es beber six-packs de cervezas. Su discurso existencialista sobre la vida sigue allí, pero ahora se urde a través del cinismo más acido. Ambos personajes han cambiado, y es evidente que en ese cambio se encuentra la marca de aquel momento que los unió, aquel asesinato en el que unos cuernos de ciervo coronaban la cabeza de una prostituta.   

miércoles, 5 de febrero de 2014

Dos mujeres solas: Diana y Gloria

En el pobre filme de Oliver Hirschbiegel “Diana” recuenta los últimos dos años de la vida de la princesa de Inglaterra, ya muy lejos del cuento de hadas de su matrimonio con el príncipe de Gales. La película no tiene nada que se semeje el interés que generó “Downfall” el famoso filme del director que nadie dede perderse. Sin embargo, presenta lo que puede ocurrir con la fama y cómo la familiaridad pública de una persona puede entorpecer su vida.
Diana (Naomi Watts, en un papel que debió de haber sido de Nicole Kidman, su íntima amiga) es presa de su fama. Rodeada de multitudes constantemente y acosada por la prensa vive también un mundo que aún la reclama por su encanto y su verdadero interés en los oprimidos y los enfermos. Veíamos ese aspecto de su carácter en cómo se relacionaba con una gama impresionante de personas alrededor del mundo. Cualquier viaje que tomaba, cualquier pronunciamiento que hacía era transmitido de esquina a esquina del globo. Era, como dicen en la película muchas veces, la mujer más famosa del mundo. 

A pesar de esto era una mujer solitaria. Impedida aún por sus deberes (o contratos) con la casa real, no se podía permitir aventuras callejeras que demostraran su lado frívolo, ni podía participar de eventos que no fueran tamizados por los veladores del protocolo monárquico. Simultáneamente era una mujer que se fue rebelando poco a poco y liberalizando sus ideas, su enfoque social, y sus sentimientos. Muy a pesar de esto, este filme de diálogo pésimo, que convierte en trivialidad cualquier cosa que pueda haber sido sublime de la relación de la ex princesa con Hasnat Kahn, con un cirujano cardíaco, sí permite que percibamos su soledad. Hay momentos en que nos cuestionamos algunas cosas en la pantalla que quieren hacernos ver que Diana andaba por las calles de Londres sin rumbo, como una colegiala enamorada. Que fuera con peluca negra a escuchar jazz con su novio no es sorprendente; lo que lo sí lo es que tuviera que disfrazarse para poder vivir su vida. 

Una pregunta que queda, luego de ver el capricho (?) del guión de que su relación con Dodi Fayed era para poner a Kahn celoso, es porqué se sentía atraída Diana a hombres no cristianos. ¿Estaba tan aislada o repudiada por la iglesia anglicana como por la realeza? Nada de esto es explorado por el filme. Tampoco su relación con sus dos hijos, que se reduce a una escena de despedida de los dos príncipes. De hecho, ni siquiera la soledad está examinada con profundidad en la cinta. Tal parece que el propósito de la película era únicamente atraer a la audiencia que adoraba a Diana. Todos, sin embrago, se quedaron en sus casas.

Tan sola pero con más libertad está Gloria (Paulina García) en el filme homónimo del chileno Sebastián Lelio. Vi el filme en Madrid en una sala abarrotada de mujeres que tal vez estaban solas también. Gloria está divorciada y se ha convertido en asidua visitante de clubes para adultos solteros, ya bien sean divorciados o viudos, tal vez hay también un grupo de imposibles, y por eso están solos. Como suele suceder, conoce a alguien: Rodolfo, un oficial retirado de la marina que está separado de la mujer. Comienzan una relación. Gloria se siente tan sola que se aferra de lejos a su hijo, que no parece tener una onza de inteligencia, mucho menos grandes sentimientos, y de su hija que quiere irse de Chile para estar con su novio. A diferencia de Diana, Gloria es una mujer anónima que tiene algunos amigos pero no mucho más. 

El filme es notable por la naturalidad con que se tratan los desnudos frontales tanto de hombre y de la mujer, ninguno de los cuales clasifica para premios a los mejores cuerpos. Se aprecia la valentía sencilla del director y los actores a mostrar las imperfecciones que, de todos modos, la cámara suele ocultarnos cuando se trata de los jóvenes. 

La soledad de Gloria la lanza a tener una vena posesiva que es contraria a las realidades que vive y a la situación del hombre de quién se ha enamorado. Sus exigencias la van arrinconando sin que se dé cuenta a la esquina de una situación casi insostenible. Sin embargo, por primera vez está en control de lo que ella quiere. Es ella la que determina los pasos a tomar, es ella la que con frecuencia inicia los momentos sexuales que le placen. Tiene, dentro de su aislamiento emocional, la certeza de que sabe lo que quiere y lo que está haciendo. Tanto así que no le importa tener una aventura breve con un desconocido que acaba de conocer en una barra en un hotel de lujo en un centro turístico. 

La evolución de la soledad de Gloria va hacia la liberación de su ser, a la culminación de estar en control de sus emociones y no depender de refuerzos externos tales como los vaivenes de un hombre que puede o no unirse a ella en una relación permanente. 

El filme tiene un buen guión y cierta ironía que nos permite aceptar lo que a veces es la irracionalidad de Gloria. Lo más importante de la película, sin embargo, es la Paulina, como dirían en Chile. Una mujer de rostro agradable que conserva muy bien los encantos de la madurez y cuya personalidad atraviesa la pantalla y nos atrapa en su red, uno aprecia a Gloria al mismo tiempo que se reserva la opinión adversa sobre algunas de sus andanzas y exigencias. Su venganza de las hazañas de Rodolfo, muy bien interpretado por Sergio Hernández, es una mezcla de imprudencia ilógica y acertada revancha. En vez de él marcarla a ella, ella lo Marca, con mayúscula, a él. Es un vuelco moderno a la idea de quién es el que sufre los resultados de affaires transitorios en la sociedad actual. La venganza le sirve de catarsis a Gloria y, aunque aún está sola, ahora sabe mejor como confrontar lo que le espera, y lo celebra con gran alegría y júbilo mientras tocan la canción que lleva su nombre. Es un final alentador e instructivo para todos los solitarios de más de... cierta edad.