jueves, 26 de febrero de 2015


Epigraph: (What We Talk About When We Talk About Art)

Birdman, directed by Alejandro G. Inarritu, winner of four Academy Awards including Best Picture of 2014.

by Jan Galligan & Lillian Mulero, Santa Olaya, PR

 Lillian and I talk about art most of the time. I don't mean that this is the only subject of conversation, just that art inhabits our life; we look at everything from the point of view of the artist. This is probably true for doctors, lawyers, maybe accountants, certainly true for scientists, musicians, filmmakers, writers, poets, and theater people – the world is a stage, after all.


Alejandro G. Inarritu's latest film, Birdman or (the Unexpected Virtue of Ignorance), takes this literally, although the world here is confined to mid-town Manhattan and all the air above it. For the most part, it is further confined to the backstage and basement dressing rooms of the St. James Theater located on 44th at Broadway, in the Theater District near Times Square. Some of the action is restricted to the theater's stage, while the rest takes place inside the main character's head. Riggin Thompson, former Hollywood star of the blockbuster action-film series Birdman, has written a play based on What We Talk About When We Talk About Love (original title: Beginners), Raymond Carver's iconoclastic, breakout, short story. Carver had the reputation for writing very terse, short short stories. His writing has been labeled minimalist, and “dirty-realist,” although he rejected both characterizations. Recent literary scholarship has revealed that the version of his story published in an award-winning collection of the same name, had been pared down by Carver's editor, Gordon Lish, so that it represented less than half of the original manuscript. The original story, Beginners, has recently been published in its entirety, through the efforts of Carver's widow.

All seventeen of the stories in that collection were heavily edited by Lish, and most were retitled. On the eve of publication, Carver had a change of heart, a crisis of confidence, and wrote a seven page impassioned letter to Lish begging him to delay publication, or not publish at all, despite having signed a contract with Knopf based on Lish's version of Carver's stories. Carter wrote: Dearest Gordon, I've got to pull out of this one. Please hear me... I look at “What We Talk About...” (Beginners) and I see what you've done, what you've pulled out of it, and I'm awed and astonished, startled even, with your insights. Please help me with this, Gordon. I feel as if this is the most important decision I've ever been faced with, no shit... Please, Gordon, for God's sake help me in this and try to understand. Listen. I'll say it again, if I have any standing for reputation or credibility in the world, I owe it to you. I owe you this more-or-less pretty interesting life I have. But if I go ahead with this as it is, it will not be good for me...

Two days later Carver relented, the stories were published as Lish had edited them, the book garnered rave reviews, cemented Carver's reputation as a minimalist, and sold thousands of copies. Two years, and one more collection of stories later, also edited by Lish, but this time lightly, relations between Carver and Lish were strained to the breaking point. Lish wrote to Carter: … we've agreed that I will try to keep my editing of the stories as slight as I deem possible, that you do not want me to do the extensive work I did on the first two collections. So be it Ray. Two months later Carver wrote to Lish: What's the matter, don't you love me anymore? I never hear from you. Have you forgotten me already?

Writing about Birdman, critics have made much of the fact that Michael Keaton, former star of the blockbuster Batman series, plays Riggin Thompson, former star of the blockbuster Birdman series, who plays Nick, narrator of Carver's story What We Talk About When We Talk About Love, who is the main character in Thompson's play of the same name. They also point to the fact that Edward Norton played Bruce Banner in the Incredible Hulk, after playing the lead as the Narrator in David Fincher's breakout film Fight Club. In Birdman, Norton plays famous Broadway method actor, Mike Shiner.

On the eve of opening night, during the final preview performances, Thompson hires Shiner to replace an actor Thompson deposes, because he was not up to the part. Shiner is more than adequate. He has inhabited the play even before arriving for his tryout, primarily because he had been rehearsing the play for months with Lesley, his live-in girl-friend. He lives with her, or as she says in a puzzling aside, “we share a vagina.” Funny, because he is also purported to be impotent, at least off stage. On stage he is a demonic actor, impetuous, impervious, inspired and sexually charged. In his first run through with Thompson, Shiner knows all of his character, Mel, a 45-year old cardiologist's lines and Thompson's Nick character's, as well. Within minutes, Shiner has -- through a series of readings, coaching Thompson on how to deliver his lines, making continual suggestions that Thompson pare down his dialog, cutting it to the bone -- rewritten the action so that Thompson's Nick has Shiner's Mel completely mesmerized. It's at this moment it becomes clear that the film Birdman, is not about a theatrical, and by extension cinematic, adaptation of Carver's story What We Talk About When We Talk About Love, but is instead about the tortured relationship between author Raymond Carver and his editor Gordon Lish.

This explains the subsequent conflicts between Thompson, and Shiner who is constantly working to remake the play, find its essence, hone its presentation, and control the public's perception, and ultimate reception of the play. Shiner dramatically cuts short his first preview performance by stepping out of character, breaking down the wall, and talking directly to the audience, to tell them what shit the play is at that point. This nearly leads to fisticuffs between Shiner and Thompson. Next, Shiner manages to get a cover story in the Arts section of the New York Times, an interview with him and a preview of his participation in Thompson's production. He practically takes ownership of the play, and does take ownership of Thompson's origin story of having been inspired by Raymond Carver to become an actor. Thompson is so incensed, that he does end up in a fist-fight with Shiner, nearly giving him a shiner, and finally, they are wrestling on the ground, in a metaphoric sexual embrace. Thompson is embarrassed. Shiner remains impervious, as Thompson beats him over the head with the wadded up newspaper article.

By this point, Thompson has lost face and most of his self respect. The only solution seems to be a dramatic gesture. On opening night, in the emotionally wrought closing scene, Thompson enacts the suicide shot to the head using a real gun, but he misses and shoots off his nose. The curtain falls.

The play is a critical success. Despite his Hollywood action-hero baggage, Thompson is hailed as a new voice in American theater, bringing fresh blood to the stage and, displaying the unexpected virtue of ignorance, inventing a new super-realistic form of dramatic presentation. He has literally “cut off his nose to spite his face,” and with that, he flies out the window.  

Looking at Inarritu and his co-writers' script suggests that despite a great deal of the dialog, especially in scenes of the play, coming directly from Carver's short story, the central conflict, and some of the off-stage dialog comes from Carver's tortured letter to Lish, trying to delay or halt the publication of his book of short stories. There seem to be three central themes to Inarritu's Birdman.

One: getting caught with your pants down, everyone's worst nightmare -- running around in public in just your underwear. For Thompson this is a major humiliation. For Shiner, it's just another day at the office. 

Two: floating – above the ground, or high in the sky. Everyone's favorite dream, and the essence of self esteem and well being. Here that domain belongs to Thompson alone, and it may be all in his head. This was true for Carver as well. In a letter to Lish, at one of his high points, six months before publication of his story collection, Carver writes: I'm happy, and I'm sober. It's aces right now, Gordon. I know better than anyone a fellow is never out of the woods, but right now it's aces, and I'm enjoying it.

Actor Michael Keaton as Riggin Thompson, cinematographer Emmanuel Lubezki,
director Alejandro G. Inarritu, and co-writer Nicolás Giacobone, with Birdman 3 poster.

Three: mentioned before, Thompson's act of self-mutilation, self-retaliation. From the start of the film this is hinted at, foretold, in the masks which cover the Birdman movie character's face, the mask of The Phantom of the Opera, still playing across the street from the St. James Theater, at the Majestic Theater on Broadway, and the hospital bandages of an old man in a story Thompson's cardiologist Nick character tells during the play, and then Thompson's own bandages when he wakes up in the hospital after his gun “accident” and a rhinectomy and nose-replacement surgery. His face is not the same and his public image will never be the same. People will no longer recognize him for who he was, let alone who he has become. Exactly the fate that Carver feared so deeply when he wrote to Lish, wishing there was some way to rise above it all: As I say, I'm confused, tired, paranoid, and afraid, yes, of the consequences... So help me, please, yet again. Don't, please, make this too hard for me, for I'm just likely to start coming unraveled... God almighty, Gordon... Please do the necessary things... Please try to forgive me, this breach. Ray.

Epitaph: A Thing Is Just a Thing, Not What People Say About That Thing.” Card, taped to the mirror in Riggin Thompson's dressing room.

miércoles, 31 de diciembre de 2014

15th Havana Film Festival de New York-2014

          El pasado mes de abril de 2014 se celebró el decimoquinto aniversario del Havana Film Festival de Nueva York (HFFNY) auspiciado por la American Friends of the Ludwig Foundation of Cuba (AFLFC). Este festival, cuyo propósito es presentar en los Estados Unidos una selección de filmes estrenados en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano en La Habana, fue dedicado al director cubano Daniel Díaz Torres, fallecido el 16 de septiembre de 2013. Como parte de este homenaje, el HFFNY proyectó dos películas importantes de su filmografía: Hacerse el sueco (2000) y La película de Ana (2012), e invitó a la reconocida actriz cubana Laura de la Uz para una sesión de preguntas y respuestas sobre su experiencia de trabajo con Díaz Torres. Además de este homenaje, el festival celebró los 55 años del Nuevo Cine Cubano con una curaduría a cargo del crítico y director de la Cinemateca de Cuba, Luciano Castillo. Entre los clásicos seleccionados por Castillo para conmemorar este aniversario se proyectaron los largometrajes Historias de la Revolución (1960) de Tomás Gutiérrez Alea, De cierta manera (1974) de Sara Gómez, Entre tres y dos (1985) de Rolando Díaz, los documentales Now! (1965) de Santiago Álvarez y Buscando a Chano Pozo (1987) de Rebeca Chávez, además de otras facetas del ICAIC como la de animación con El cowboy (1962) de Jesús de Armas, El lenguaje (1970) de Hernán Henríquez, el Quinoscopio 1 (1985), del veterano director de animación Juan Padrón, el Filminuto No. 20 (1990) de Padrón, Mario Rivas y Tulio Raggi, y Retrato de La Habana (1998) del Premio Nacional de Cine en Cuba, Humberto Solás. En un tono más académico, esta vista panorámica del cine cubano postrevolucionario también se vio acompañada de un conversatorio titulado “Nuevo cine cubano: 55 años de un sueño compartido” con Castillo y el profesor Jerry Carlson del Centro de Estudios Graduados de CUNY (el Graduate Center). 

            Al cine clásico se le añadieron dentro de la programación del festival nuevas propuestas presentadas en la isla recientemente tales como los filmes de ficción Conducta (2014) de Ernesto Daranas- que abrió el festival-, Esther en alguna parte (2013) de Gerardo Chijona, Melaza (2012) de Carlos Lechuga, Jirafas (2012) de Enrique Álvarez, Se vende (2012) de Jorge Perugorría y Chamaco (2011) de Juan Carlos Cremata, además de los documentales 100 sones cubanos (2010) de Edesio Alejandro y Rubén Consuegra, y Hay un grupo que dice (2013) de Lourdes Prieto. En adición, se presentaron algunos cortometrajes cubanos como Tarde para Ramón (2013) de Daniel Chile, La luna en el jardín (2013) de Yemelí Cruz y Adanoe Lima, La trucha (2013) de Luis Ernesto Doñas, Camionero (2012) de Sebastián Miló y Servando... en tres tiempos (2005) de Lourdes de los Santos. Algunas caras de esta lista ya son conocidas, como Perugorría y Cremata, otras caen bajo la categoría de cineastas emergentes, como Miló, de los Santos, Cruz, Lima, Chile y Doñas.
            De las nuevas producciones se destaca la película Conducta aplaudida tanto en la isla como fuera por el público en general. Me cuentan que en Cuba la gente esperaba en filas larguísimas para ver esta película el año pasado. La misma retrata la historia de un niño, Chala, amenazado de ser enviado a la escuela de conducta. El alcoholismo de su madre lleva al estado a intervenir para apartar a Chala de su familia y este conflicto entre familia/estado es el motor de la trama. Otra película que causó sensación en el HFFNY lo fue Se vende de Perugorría, sobre todo en la comunidad cubano-americana que asistió al festival. En la sección de preguntas y respuestas con el director- famoso por su actuación en Fresa y chocolate- se notó este entusiasmo. El largo es una comedia negra donde se parodian los cambios hacia el capital privado implementados por el presidente Raúl Castro. Nácar, la protagonista del filme quien no sabe cómo salir de la pobreza, decide vender la tumba de su madre para generar dinero. La tumba no es lo único que se vende en este filme sino mucho más, es decir, que el proceso de compra y venta se le va de las manos. De esta forma, Perugorría satiriza la “locura” que los cubanos han estado experimentando en los últimos años con la llegada, aunque limitada, del capitalismo y la propiedad privada. Cremata, por su parte- el tercer director cubano importante de este festival además de Perugorría y Díaz Torres- estrena con Chamaco un tema poco elaborado en el cine cubano como lo es el de la prostitución masculina en la ciudad de La Habana. Al estilo del thriller, Cremata captura la historia oscura de un asesinato en un parque de esa ciudad. Este evento lo lleva a acercarse al mundo de la corrupción policíaca en Cuba. Por otra parte, de los directores más jóvenes debe resaltarse la figura de Enrique Álvarez con Jirafas, un experimento kafkiano dentro de un apartamento en la isla. Aunque solo ha estado en festivales, esperamos que pronto se pueda conseguir esta película en DVD para que más personas la vean. Jirafas sugiere que el novísimo cine cubano piensa seguir por otro camino.

            Además de la amplia gama de cine cubano, la programación del festival también contó con una cartelera de cine internacional de países como Argentina, Brasil, Chile, Colombia, República Dominicana, Ecuador, Guatemala, México, Panamá, Puerto Rico, además de películas de Estados Unidos. No pudimos cubrirlas todas pero reseñaremos algunas en el espacio que sigue. Entre todas sobresale el documental I Will Be Murdered (2013) de Justin Webster, sobre el asesinato de Rodrigo Rosenberg en Guatemala que causó sensación luego de que apareciera un video póstumo en donde el muerto acusaba al presidente de haberlo enviado a matar. I Will Be Murdered reconstruye con suma destreza qué fue lo que sucedió el día en que asesinaron a Rodrigo. De México se proyectaron tres películas: Tercera llamada (2013) de Francisco Franco Alba, La jaula de oro (2013) de Diego Quemada Diez y Heli (2013) de Amat Escalante. De las tres, la que más ha causado sensación ha sido Heli tras ganar el premio por mejor dirección en el Festival de Cannes de 2013. Definitivamente esta película sobresale posicionando a Escalante dentro de las nuevas generaciones de directores mexicanos que van tomando la delantera en el cine nacional de ese país. Heli es una película sumamente lograda que cada cinéfilo debería ver. La jaula de oro también ha sobresalido por su representación de la migración centroamericana hacia los Estados Unidos. Existen muchos documentales sobre este tema pero esta película retrata la migración desde el punto de vista de los niños que recientemente han llegado a la frontera y han creado una crisis para el gobierno del  presidente Barack Obama. Se trata de la migración masiva de niños centroamericanos que viajan sin sus padres y no son mayores de edad como para ser juzgados por el sistema judicial de EEUU. Han llegado más de 3,000 niños en el último año. Tercera llamada es la menos lograda de las tres cuya trama cuenta la puesta en escena de Calígula de Albert Camus. Tercera llamada falla al dedicarle demasiado tiempo a las largas horas de ensayos que una obra requiere. Le falta tensión y dinamismo a este filme para sostenerse.
            Desde Argentina llegaron películas importantes tales como la que cerró el festival, Wakolda (2013)- traducida como The German Doctor al inglés- de Lucía Puenzo, y Los dueños (2013) de los directores tucumanos Agustín Toscano y Ezequiel Radusky. Ambos filmes han sido reconocidos internacionalmente por haber sido seleccionados en Francia para participar en Cannes en el 2013: Wakolda compitió para el premio Un Certain Regard y Los dueños participó en la 52da Semana de la Crítica de ese mismo festival. Lucía Puenzo ya era una directora reconocida por su largometraje XXY (2007) con el cual ganó el Premio Goya en la categoría de Mejor película extranjera, lo que la catapultó a la fama. Wakolda es su tercer largometraje. Desde Colombia, por otra parte y aunque no pudimos cubrirlos por falta de tiempo, se estrenaron dos documentales: Cesó la horrible noche (2013) de Ricardo Restrepo y La Gorgona, historia fugadas (2013) de Camilo Botero. Y desde Brasil llegó el primer largometraje de ficción de Fernando Coimbra, O lobo atras da porta (2013). Esta última película retrata la historia de un triángulo amoroso que se complica cuando la amante, Rosa, del personaje principal, Bernardo, decide hacerse amiga de su esposa, Sylvia, sin decirle nada. Este filme tiene muchos logros, entre ellos la excelente fotografía de Lula Carvalho y el excelente guión escrito por el propio director. La película también es exitosa al crear el tan importante “suspense” en thrillers como éste donde la audiencia debe de estar conectada a la trama en todo momento. Los actores también merecen ser reconocidos por su excelente trabajo y el largometraje corre con fluidez gracias al buen trabajo de la edición.
            En resumen, el festival contó con una excelente representación de cine latinoamericano además de estadounidense, aunque este último tampoco pudimos cubrirlo. Esperamos que en el 2015 también cuenten con lo mejor del cine latinoamericano estrenado en La Habana y que le abran las puertas de ese cine al público de Nueva York que no puede darse la vuelta por el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano en Cuba.   

miércoles, 5 de noviembre de 2014

Birdman o la irrelevante relevancia de Riggan Thomson

 En una de las innumerables entrevistas que ha dado su elenco con motivo del estreno de Birdman, Naomi Watts recuerda cuando su amigo Alejandro González Iñarritu le pidió el "favor de hacer un papel pequeño en mi próxima película, una comedia" a lo que la actriz respondió sorpresivamente con un "comedia? yo?...TU???" Esa sorpresa o grito en el cielo creo que lo dimos todos los cinéfilos que conocen la obra del cineasta mexicano quien se ha destacado desde su debut en el 2000 con Amores Perros por ser quizás el cineasta que mas ha hecho del sufrimiento humano y sus consecuencias interpersonales su fetiche desde Bergman. Claro entremedio hay muchos mas- Haneke, Fassbinder, Von Trier...y otros no tan conocidos que vienen a la memoria- pero hago esa observación notando que el cine del wunderkind mexicano siempre estuvo hasta ahora  casi desprovisto de crueldad, humor, distanciamiento, o segundas intenciones. Era crónica del sufrimiento humano y punto. Y si se quiere latosa y condescendiente como llevando a las audiencias al punto de decir " esto es sufrimiento...y por si no lo entienden aquí  un poco mas"...hasta que muchos espectadores quizás decíamos "ok, si, entiendo, pero...Basta!!!"
Me refiero sobre todo a la trilogía que lo lanzó a la fama: Amores Perros, 21 Grams y Babel. Todas películas duras y áridas donde las haya. Babel llego al extremo de ser casi imposible de ver, salvo por el segmento que ocurría en Japón  en donde quizás por la lejanía de la cultura y el idioma Iñarritu se limitó -para su propio bien y el de la audiencia- a ser casi un narrador omnisciente. Quizás el mayor cambio estético/narrativo en la filmografía de Inaritu se da cuando termina su relación profesional con su compueblano, el gran escritor Guillermo Arriaga, cronista árido y duro del México - y el mundo- contemporáneo. En Biutiful, Iñarritu abandona la elíptica y fragmentada narrativa de sus películas anteriores y se concentra en una sola narrativa y a pesar de la pesadez del resto del filme, nos regaló un final incluso esperanzador. Cuando se anunció Birdman como su próximo proyecto, toda la publicidad hizo mucho énfasis en como era su primera "comedia" y aunque el trailer me pareció algo que solo alguien como Fassbinder pudiera encontrar divertido, intrigaba. Ahora habiéndola visto lo confieso, no es solo por ser tan divertida, por ese cambio de tono y respiro que el cine de Iñarritu necesitaba, no es tan solo por eso que considero que Birdman es la mas vital de todas las películas que ha hecho hasta la fecha.

A pesar de que la película ha sido prácticamente universalmente aclamada si ha tenido su pequeña brecha de enérgicos detractores. Usualmente como espectador apasionado que soy, opto por hacer caso omiso de criticas negativas de películas que me apasionan pero en este caso decidí, como ejercicio crítico y base para este articulo ripostar- de forma muy personal advierto- algunas de las criticas negativas que se le han hecho al filme:

I. El "one take" es un "gimmick y/o es lo único que hace interesante a Birdman
Porque algunos le han criticado tanto a Birdman que su estupendo trabajo fotográfico , a cargo del mago visual Emmanuel "Chivo" Lubezki- de seguro de camino a su segundo oscar de corrido por este magnifico trabajo- sea un "gimmick? Por un lado no considero que lo sea. Considero una verdadera decisión estética de alto valor el hecho de que Iñarritu haya decidido rodar la película de forma fluida en una sola toma, un plano secuencia único de 2 horas de duración. Parte de la vitalidad que mencionaba antes creo que se logra precisamente por eso. Al ser testigos durante toda la trama del filme de una mirada trasbastidores a la puesta en escena de una obra teatral en Broadway- la adaptación teatral del cuento de Raymond Carver "What we Talk when we Talk About Love" la cámara fluida, en movimiento constante, interesada por mostrar todo lo que ocurre transmite de manera vibrante todo ese hormigueo, nervios, buenas y malas vibras que pueden representar un montaje teatral-quienes los hemos vivido se que podemos dar fe de eso- El filme casi nunca sale del St. James Theatre, pero nunca notamos la claustrofobia. Contrario a una película de cortes rápidos o de factura algo mas "convencional" Birdman nos inserta a través de su constante cámara en movimiento- y una frenética partitura original percusiva del baterista Antonio Sánchez- en el torbellino emocional de Riggan Thomson (Michael Keaton).

Y si, el espectador/cinéfilo mas empedernido o cínico quizás se dedique a encontrar donde están los "trucos" los cortes subliminales, todo aquello que fue manipulado para darnos la ilusión como espectadores de esa toma única. Otros se han centrado en los -vuelvo y hago el hincapié para que este claro que concuerdo- brillantes méritos visuales del filme, despachando así sus excelentes actuaciones y una narrativa igualmente de compleja pero no tan resuelta.
Sobre lo primero aclaro que ante todo soy espectador. Cuando veo una película espero que me envuelva en su propuesta estético/narrativa lo suficiente para perderme en ella. Cuando me he agarrado a mi mismo fijándome solamente en el aspecto técnico de un filme solamente, se que algo no esta bien, no he quedado enganchado. Para mi funciona como un todo. De hecho cuando hace poco vi la mas reciente película de Tsiang-Miang Liang, Stray Dogs  hubo un momento en que solo me fijaba en la fotografía y la artesanía del filme, ya cansado de la autocomplacencia y la redundancia que desafortunadamente plagó a la mas reciente entrega del maestro taiwanés.  Lo contrario me paso cuando vi casi una tras otra Birdman y Winter Sleep de Nuri Bilge Ceylan, la flamante ganadora de la palma de oro del Cannes mas reciente. Ambas películas de impecable factura técnica y artesanía-mas bien maestría- envidiable en el aspecto formal.  Sin embargo, el cinéfilo dio paso al espectador enredado en escenas intensas, personajes complejos y narrativas atrapantes. De ambas películas salí pensando lo mismo: debo verlas de nuevo para fijarme solo en su forma.
Y si es un "gimmick" la toma única, que importa? Christopher Nolan ha construido una carrera entera de hacer películas que prácticamente son "gimmicks" y ha sido alabado hasta el ridículo por eso. Lo mismo Iñarritu en sus películas anteriores. Es mas: que vivan los "gimmicks"!!!  Claro siempre y cuando sean ejecutados con inteligencia.

II. Según Richard Brody en The New Yorker en Birdman Iñarritu se plantea grandes preguntas para solo emplear respuestas mediocres
Otra cosa que me molesta sobremanera como espectador es el empeño del 95% de la producción cinematográfica a resolverlo todo, a machacárselo todo a los espectadores en pedacitos. Al poco respeto y condescendencia con públicos inteligentes. De nuevo eso se entiende porque el cine actualmente no esta siendo dirigido ni mercadeado hacia públicos inteligentes- Birdman se burla ampliamente de eso- Por otro lado formular buenas preguntas es un arte y todo un reto. Y fabricar buenas respuestas no lo es tanto. Aprecio mucho el cine que es capaz de lanzarnos buenas preguntas y mucho mas el que deja que seamos nosotros mismos los que formulemos nuestras propias respuestas. Riggan Thomson realmente tiene poderes telekineticos? Y si los tiene, importa? Logró realizarse como artista o es todo una ilusión en su cabeza? En mi opinión Iñarritu no se esta despachando de nada. En realidad me parece irrelevante que muchas de sus preguntas tengan respuesta. Queda mas interesante de la otra forma Y si, puede ser que estar dos horas viendo el banal conflicto sin solución de Riggan Thomson  sea irrelevante. Pero al menos Iñarritu monta dentro de esa irrelevancia y banalidad un vital circo acerca de la banalidad del mundo del espectáculo y sus espejismos, de como cada cual tiene su interpretación particular de lo que nos brinda el artista, de como para la mayoría de las nuevas generaciones  que representa Sam, la hija de Riggan (Emma Stone) la relevancia la brindan el twitter, youtube y lo que pueda ser o no viral en las redes sociales. Si, la historia de Riggan Thomson puede ser irrelevante, pero su periferia esta rebosante de ideas, hay momentos en Birdman que pueden llenar fácilmente 4 o 5 largometrajes en merito propio.

III. Iñarritu  ataca al mundo del cine de superhéroes y la banalidad de Hollywood utilizando armas desde adentro de esa misma industria
Es eso algo nuevo? No, creo que desde que el cine es industria ese es un dialogo inacabable, permitido y justo. Creo que no es deshonesto, mas bien lo contrario utilizar al "Batman" mas querido y recordado de la historia del cine para reflexionar en esa actitud tan hollywoodense de "eres útil hasta que nos sirvas" y luego descartarte pero dejarte con tus fantasmas y luchando por reiventarte dentro de una irrelevancia declarada. Utilizar a la protagonista del nuevo "reboot" de las Spider Man como la representante de una nueva generación a la que Hollywood lo que le  va a heredar y seguir metiendo en la cabeza es mas bazofia y mierda. Utilizar al mas reciente "Hulk" como Mike (Edward Norton) el némesis de Riggan no por coincidencia, un representante de la nueva y peligrosa cepa de actores "new age" con el ego bien puesto. Esas estrategias existen en el cine desde siempre  y a directores hábiles como Iñarritu le sirven desde el mercadeo hasta para las demarcaciones mas transparentes y profundas de las ironías que plantea. O no son acaso Sunset Boulevard  y Birdman variaciones de una misma historia? Veremos realmente alguna vez algún fin entre esa eterna pelea de demonios entre el éxito taquillero que plantea una franquicia hollywoodense y el respeto que conlleva dedicarse a ser trabajos mas serios y profundos pero que de seguro llegaran a solo un tercio de toda la gente a la que le puedes llegar con un pedazo de basura hecha en los grandes estudios?  a los que critican a Birdman  por no ofrecer respuestas satisfactorias. A ver, zúmbenme alguna respuesta satisfactoria para esa ultima pregunta.

1V. La obsesión periferal de Iñarritu no termina o que finalmente pasa con los personajes de Edward Norton, Naomi Watts etc.
Vale. Entiendo. Pero esta película es ante todo sobre Riggan Thomson, Michael Keaton es el corazón de la misma. Los personajes de Mike o Lesley (Naomi Watts) sirven sus propósitos a cabalidad y son parte del espiral mismo que lleva a Riggan a su clímax dentro de su proceso creativo.  Y si, creo que Iñarritu y sus co-guionistas: Nicolas Giacobone, Alexandre Dinelaris y Armando Bo, juegan muy bien las cartas de las falsas expectativas y los arquetipos. El personaje de Mike (Norton) parece que será una parte mas importante de lo que termina siendo del desenlace del conflicto interno de Riggan- Inarritu juega magistralmente con eso-, pero es importante en cuanto a que lleva a Riggan a desencadenar acciones muy decisivas. Si reconozco que en un momento dado pensé en si eran realmente necesarias las presencias de las mujeres de Riggan: su actual pareja y co-protagonista Laura (Andrea Riseborough) y su ex-esposa -que claramente todavía lo ama- Sylvia (Amy Ryan) en el filme hasta que a ambas se les dan sus momentos decisivos en el filme. Lesley (Naomi Watts) es un personaje interesante porque es el ente externo que provoca muchas cosas dentro del filme- la decisión de que entre el personaje de Mike en la obra de teatro por ejemplo-  sin embargo emocionalmente es quizás el que menos tiene que ver directamente con Riggan y por otro lado el que siempre muestra empatía con este y viceversa- aparte de que ambos quieren lo mismo, son estrellas de cine que sienten que sin haber llegado a Broadway sus carreras están incompletas-. El hecho de que sea Iñarritu el responsable del apenas segundo papel cómico de una de las mejores actrices del cine actual, es placer añadido. El personaje de la critica teatral Tabitha (Lindsay Duncan, gran actriz inglesa que creo nunca ha llegado mas lejos en el cine debido a su increíble parecido físico con Mia Farrow) arquetípico por demás, es sin embargo la voz que permite a Inarritu poner en entredicho y nuevamente mostrar la compleja ambigüedad amor/odio de ese eterno debate entre calidad artística y éxito. Si un personaje llega a tener quizás el peso emocional de Riggan en el filme es el de Sam, su hija, papel que nos permite a los que hemos defendido a Emma Stone desde tiempos de Supebad decirle a los no-creyentes: "se los dije!" Sam al ser la heredera directa del legado- o la falta de- de Riggan, pone en perspectiva muchos aspectos no dichos de ambos personajes y le da una hondura emocional al típico papel de la niñata engreída drogadicta y victima del Hollywood que sus padres le han legado.

Y no pierdan otra cosa de perspectiva, a pesar de todo lo que he expuesto antes aquí uno se ríe con Birdman, y mucho. Ahora Iñarritu filma su primer thriller, esperemos nos intrigue.