Un top 10 visceral

Hace unas semanas el compañero Enrique González pidió que compartiésemos en el blog nuestro “top 10” cinematográfico a manera de compartirnos cosas, y conocer un poco mas de lo que nutre nuestros gustos cinematográficos. Yo admito ser un “freak” de las listas, pero casi siempre es para criticarlas o alabarlas, confieso que a veces también siento que nos organizan. Rápido para escoger solo 10 y que no saliese un top 10 con casi 200 películas tuve que ponerme un gran límite: tan solo una película por director, porque si no mi lista hubiese sido mitad de Altman y mitad de Buñuel. También al igual que Sofía me decidí por películas que tuvieron un gran impacto visceral en mí al verlas por primera vez, que fueron definitivas en moldear mis gustos cinéfilos y a las que siempre vuelvo con el mismo entusiasmo que cuando las veo por primera vez. Aclaro que ahí es que pienso reside la diferencia entre una lista de las “10 mejores” a las “10 favoritas” creo que son dos términos distintos y creo que muchas de estas listas mas profesionales- Sight & Sound sobre todo- tienden a confundir los términos y terminan siendo muy académicas. Creo que nuestro propósito es otro y por ahí es que va mi seleccion:

 McCabe & Mrs. Miller (Robert Altman, 1971)

Escarbando en la memoria me doy cuenta que no hay película que me haya llegado mas, impactado mas a todos mis sentidos en una sensación de pura visceralidad. Para mi Altman conjura la poesía, melancolía, tristeza, lo patético, lo tierno y lo doloroso de la condición humana con esta joya, que es la más destacada deconstrucción de género- un anti-western- del mejor deconstructor de géneros cinematográficos del cine. Si se me pregunta si alguna vez yo he visto poesía hecha cine, mi rotunda contestación es esta película. Y si por otro lado dejar fuera 3 Women, The Long Goodbye o Short Cuts resulta muy doloroso, al menos se que esta filme representa al mejor Altman en todo su esplendor. Las magníficas actuaciones de Warren Beatty y Julie Christie y las canciones del gigante Leonard Cohen redondean exquisitamente todo.

     El Ángel Exterminador (Luis Buñuel, 1962)

   Al igual que con Altman, con Buñuel se me hace imposible escoger solo una prácticamente, al ser estos dos cineastas objeto de mi devoción mas absoluta y sin reservas. Pero al igual que con McCabe & Mrs. Miller, este Buñuel es el que siempre se me antoja como una revelación cada vez que lo veo. No es la película suya que mas he visto ni la que usualmente repito mas- ese honor se lo llevan Ensayo de un Crimen y Simón del Desierto, que si pudiese las hubiese incluido en esta lista- pero es esa película que siempre te puede tomar por sorpresa, reconocerle cosas nuevas y arrastrarte en su absurda e ilógica lucidez. Es fácil resumir su trama, pero muy difícil describirla y descifrar que exactamente es lo que nos provoca. Es una de las mejores comedias que he visto en mi vida que fácilmente puede ser también drama desesperado o hasta película de horror. Mike Nichols tiene razón, en Buñuel hay que pensar todos los días.

The Apartment (Billy Wilder, 1960)

Siempre que me preguntan por cual considero que es el mejor guion de la historia del cine mi contestación firme y sin titubeos es este que firman Wilder y su genial co- conspirador en la pluma I.A.L Diamond. Los diálogos que ponen en boca de los también maravillosos Jack Lemmon Shirley MacLaine y Fred MacMurray, destilan una inteligencia, naturalidad y honestidad que raras veces se encuentran en el cine- sobre todo hoy en día- Detrás de la historia de amor  al parecer imposible entre Lemmon y MacLaine hay también toda una crítica mordaz y unos dardos sin piedad que Wilder lanza a la mezquindad y deshonestidad de los ambientes labores corporativos y es una reafirmación moral de los valores mas altos de la decencia y la solidaridad en un ambiente dominado por quien tiene mas poder y pisotea a todo el que tenga a su alrededor para lograr su propósito en la vida sin importar a quien se lleve por delante. Y para rematar tiene el final mas encantador, tierno y romántico de la historia del cine, sin beso final.

Deus e o Diabo Na Terra do Sol (Glauber Rocha, 1964)

Si hay una película en la vida que considere haya sido toda una revelación para mí al verla por primera vez, es sin duda la experiencia de enfrentarme a un filme de Rocha por vez primera hace 6 años en una clase sobre cine brasileño que tome en la universidad. Glauber era de esos cineastas de los que siempre se escuchaba hablar con entusiasmo desmedido, pero hasta hace muy poco su filmografía era muy difícil de conseguir. Es la primera vez en la vida que siento también que alguien haya superado a Godard en su dominio pleno y revolucionario de hacer, sentir y ver el cine. Glauber trabajando desde el “tercer mundo” y utilizando los esquemas libres y la replantación de códigos cinematográficos que Godard desde la “nouvelle vague francesa” planteaba logro superar plenamente a su maestro. Glauber después de los  años 60 no volvió a la cima que tuvo con  este filme, Terra em Transe y Antonio Das Mortes, pero no importa. Lo que Glauber logro con su “estética del hambre” y las tres obras maestras que realizo del 1964 al 69 es algo que afortunadamente queda para la historia como testamento cinematográfico de una era turbulenta, en un continente abatido y “en transe”

  Chinesisches Roulette- Chinese Roulette- (Rainer Werner Fassbinder, 1976)

Quizás lo obvio en escoger un Fassbinder seria escoger Maria Braun o Ali: Fear Eats the Soul o The Merchant of Seasons. Quizás no sea la mejor película de Fassbinder y resulte ser una de las mas divisivas y problemáticas. Pero lo cierto es que en términos de dirección y puesta en escena me parece que Fassbinder despliega aquí toda su maestría y virtuosismo en un filme complejo, calculado y por lo demás perverso y extremadamente cruel- es la película mas cruel que he visto en mi vida, y me he visto casi todo Haneke- Si bien es quizás su obra mas breve- 82 minutos de metraje apenas- ni uno de esos minutos esta exento de intensidad y su efecto sobre el espectador se extiende por mucho mas tiempo que el de su brevedad. La fotografía de Michael Ballhaus aquí representa el punto mas álgido de su colaboración entre el cinematógrafo y el director y no deja duda de porque Ballhaus paso a convertirse en uno de los grandes directores de fotografía del mundo. He intentado repetir obviamente sin éxito en algunos de  mis incipientes intentos de cortometraje el  plano “360” que logran  Fassbinder y Ballhaus en el momento culminante del filme, claro está el mejor “360” de la historia del cine.

Blow Up (Michelangelo Antonioni, 1966)

A través de los años me he dado cuenta que en la historia del cine probablemente no exista un cineasta mas divisivo que Antonioni. Los que amamos su cine lo defendemos con  ganas- aunque al menos yo reconozco sus errores con Beyond the Clouds y su segmento de Eros, ambas  experiencias totalmente insoportables- y los que lo odian con las mismas ganas hacen lo posible por convencernos de que es el cineasta mas pedante, lento e insoportable de la historia. Pero lo cierto es que todavía en dos décadas de ver cine seriamente he visto yo película semejante a esta. Es simplemente el mejor texto fílmico que he visto acerca de lo que significa la percepción visual y su interpretación. Tomando como punto de partida el cuento “Las Babas del Diablo” de Cortázar, Antonioni nos lleva a lo mas profundo de varios cuestionamientos: “es la realidad visual real o inventada?, como distinguimos ambas?, “es acaso lo que vemos o lo que nos imaginamos”? en el ínterin nos da un paseo por el Swingin 60’s londinense con la música de Herbie Hancock y The Yardbids y Vanessa Redgrave topless para completar. Además es el único caso de una película que ha sido objeto de dos igualmente excelentes homenajes cinematográficos: The Conversation (Francis Ford Coppola, 1974) y Blow Out (Brian De Palma, 1981)

    Vivre sa Vie –My Life to Live- (Jean Luc Godard, 1962)

Si tuviese que escoger a mi mujer ideal de seguro tendría que ser Nana S., la figura central encantadoramente hermosa y tristemente triste que encarna Anna Karina en este filme de su entonces esposo y el innovador mas rotundo que ha tenido el cine contemporáneo, Jean Luc- Godard. Al igual que me pasa con Buñuel este no ha sido el Godard que mas he repetido a través de los años, pero es al que constantemente vuelvo como la experiencia mas visceral al volverme a enfrentar a su obra.  Al ver a Nana S bailando sola en un café parisino, llorando viendo a Falconnetti, o escribiendo sus mas íntimos pensamientos mientras sostiene sensualmente un bolígrafo en sus labios se me antoja pensar que Godard ha capturado la tristeza y la poesía de la condición humana como muy pocos cineastas- o artista en general- han logrado . Después de esta película su obra tomaría una complejidad ideológica y estética mucho mas profunda que resultaría para muchos divisoria. Pero no sé si le hubiera sido posible lograr esa evolución en su filmografía si no nos hubiese legado antes la triste y tierna historia de la hermosa Nana S.

  Crimes of Passion (Ken Russell, 1984)

Otra revelación cinematográfica definitoria en mi vida cinéfila. La primera vez que la vi me desconcertó, la segunda vez supe que volvería constantemente a ella. El enfant terrible  del cine por excelencia Ken Russell, recientemente fallecido y que sacudió al universo con sus excesos en los setenta como The Music Lovers o The Devils va incluso mas allá en esta película,  haciendo la sátira definitiva acerca de la obsesión/represión sexual totalmente hipócrita de los gringos- claro esta tenía que ser hecha por un cineasta inglés- Hilarante y desmedido, es un filme post- post moderno que ya en 1984 se mofaba y totalmente abrazaba lo que sería considerado en las década venidera por la estética kitsch ochentosa “video clip”.  Bañada en luces de neón y con sintetizadores de Rick Wakeman que casi no paran de sonar, con una de las peores actuaciones principales masculinas de la historia del cine- la de John Laughlin- y una de las mejores femeninas- Kathleen Turner como China Blue, diseñadora de modas por el día, prostituta ninfómana de noche-  y Anthony Perkins como un reverendo psicópata- que asesina utilizando una cuchilla en forma de falo- que hace parecer a Norman Bates como un tipo absolutamente normal. Todo esto claro está, explícitamente a propósito. No la busquen en DVD o Blu-Ray, es de esas películas que en un VHS viejo es que mantiene su total encanto.

   Duck Soup (Leo McCarey, 1933)

Si tener que escoger 10 películas entre al menos 100 que podría nombrar como películas que amo es difícil. Escoger solo una de los Hermanos Marx es casi una tragedia. Y sin pensarlo mucho y olvidar que ignoro a Horse Feathers, Animal Crackers o Monkey Business escojo este retrato de la vida en el pequeño país de Freedonia, que con un líder como el inimitable Groucho Marx es el estado anárquico perfecto. Este es el mejor texto cinematográfico sobre la anarquía como ideología que he visto. La defiende a ultranza como el estado político mas posible e inevitable. Entre los diálogos poéticamente hilarantes y lucidos de Groucho Marx, las bellaquerías irreverentes de Harpo, y la desfachatez de Chico  no es de extrañar que Woody Allen haya exaltado a esta joya de joyas en su Hannah and Her Sisters, donde su personaje recupera la razón de vivir al son de  el “ all god’s  children got guns!” que cantan los Marx en el palacio presidencial de  Freedonia, declarándole la guerra al estado opresor e inspirando así varias generaciones de utópicas luchas. Lo único trágico del filme para Marxistas de la tendencia Groucho como yo, es que dure apenas 67 minutos.

1    A Woman Under the Influence  (John Cassavetes, 1974)

Cuando se me pregunta cuál es la mejor actuación cinematográfica que he visto en mi vida mi rotunda respuesta es la de Gena Rowlands en esta película. Probablemente la mas emocionalmente intensa y drenante experiencia del mas intenso y drenante cineasta que haya existido. Si uno se pone a escarbar la historia detrás de las historias se dice que esta película refleja mucho mas de la verdadera situación del matrimonio Cassavetes- Rowlands de lo que ellos en realidad hubiesen querido admitir y probablemente otra pareja de cineasta/actriz al haber hecho una película como esta no hubiesen sobrevivido como matrimonio, pero Cassavetes y Rowlands sobrevivieron 15 años mas de unión hasta la muerte de este y otras 3 películas- una de ellas nunca vista por mi muchos la consideran la obra maestra definitiva del maestro Cassavetes, Love Streams-  Yo tengo el  poster de esta película en mi apartamento, pero solo la he podido completar de ver unas 3 veces, la empiezo tantas otras y no la termino. Esta película exige que te entregues a ella, si tus energías y tus ganas no están en ello no te acerques a esta ni a otra película de Cassavetes, pero una vez sumergido, es imposible mantenerse ambivalente a su cine.

Mención honorifica:

Estas otras 10 películas pudieron haber compuesto mi top 10 en cualquier otro día, momento o instante, las lanzo al vacío porque pueden complementar las otras:

Husbands and Wives (Woody Allen, 1992), Elisa Vida Mia (Carlos Saura, 1976), The Fury (Brian De Palma, 1978), Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976), Placido (Luis Garcia Berlanga, 1961), Imitation of Life ( Douglas Sirk, 1959), Aguirre (Werner Herzog, 1972),  Il Gatopardo (Luchino Visconti, 1963), Le Notti di Cabiria (Federico Fellini, 1957) y The Servant (Joseph Losey, 1963)